EL CAFÉ DELOS ARTISTAS:CAFÉ VOLPINI: LOS NABIS

En Paris, allá por el año 1889, Volpini, un empresario italiano dueño de un café de los bulevares quiso celebrar el centenario de la Revolución Francesa y compró otro local en la periferia de los pabellones de la Exposición Universal. Paul Gauguin y otros ocho artistas impresionistas, organizaron allí, en el café, la que se denominó “Exposición Volpini”. Todo un fracaso: escasa venta y pobres reseñas en la prensa. Pero el acontecimiento sirvió para que Gauguin siguiera en la escena parisina y que un grupo de jóvenes artistas con un nuevo lenguaje pictórico, los Nabis, conocieran la obra de artistas como Bernard, Laval, Antequin…

El café Volpini fue su punto de encuentro, de reunión, de debate, en el que además de estos artistas plásticos, participaban escritores, pensadores, escultores. Cuando el café se les quedó pequeño, trasladaron las veladas interminables al “Templo”, la casa del escritor Paul Ranson que la cedió para evitar su desaparición. En el café Volpini se hablaba de colores, de emociones, de papeles pintados y decorados de teatro, de vestuario y tejidos, porque los nabis pensaban que el arte no estaba sujeto a un soporte convencional.

Su tendencia por la estampa japonesa se aprecia en la perspectiva aérea, encuadres imposibles, colores planos y su tendencia decorativista es visible en el cromatismo, las iluminaciones cambiantes y horror vacui. Se sentían atraídos por las escenas cotidianas y por la religión. El grupo no trascendió por Europa, pero si marcó un nuevo rumbo en la base del arte abstracto: el de la emoción.

LE CAFÉ LE SOIR. EL RETO DE VAN GOGH

Mientras los impresionistas frecuentaban los cafés nocturnos de Arles, lugares de encuentro de bulliciosa vida nocturna, Vincent van Gogh, sentía curiosidad por los cambios cromáticos que proporcionaban los farolillos de gas sobre las estrechas calles y los caminos empedrados. Su obsesión, la representación del cielo nocturno, estrellado, que se convierte en un reto al obligarse a no utilizar el color negro, como ya hizo en su obra "Cielo estrellado".
Se sabe que se sirvió de un sombrero con luces cuando pintaba de noche, en mitad del campo, mientras en la terraza del café de la Place du Forum, las noches pasaban con sus gentes y su diversión Y daban cobijo a quienes no tenían donde dormir.



Desde ahí, como manteniéndose al margen de esa vida nocturna, pintó en Septiembre de 1888, la terraza del café. Pinceladas verticales y horizontales, gruesas, matéricas,cargadas de expresividad abstracta fue dibujando el cielo con azul oscuro sobre claro.
Fue tal el entusiasmo después de acabar la obra, que escribió una carta a su hermano Theo relatando y describiendo todo cuanto se refería al cuadro.
VIDA NOCTURNA, CIELO ESTRELLADO.

EL CAFÉ VOLTAIRE. DADÁ

Hugo Ball era director de teatro y su mujer Emily Hennings, bailarina y música. Juntos concibieron el proyecto de transformar el "Meierei", una taberna de mala muerte en el barrio popular de Niederdorf, en Zurich, en un café literario y artístico, el Café Voltaire.
Abrió sus puertas el 1 de febrero de 1916, y acogió a los artistas exiliados de otros lugares durante la Primera Guerra Mundial. Se llegaron a reunir expresionistas alemanes, futuristas italianos y cubistas franceses.


Tristan Tzara


Entre sus muros, se gestó el movimiento Dadaísta que encabezado por el poeta rumano Tristan Tzara, provocó uno de los quiebres más radicales de la concepción del arte. Querían ser escuchados y qué mejor, que organizar espectáculos musicales, happenings, muestras de pintura y escultura y declamaciones contra la barbarie bélica. Llegaron a rechazar el arte establecido y se enfrentaron a todas las formas clásicas: cubismo, impresionismo y fauvismo.


Hugo Ball recitando en una velada Dadá


Estas veladas eran muy sonadas y provocaban toda serie de reacciones a esos bailes sin sentido, con máscaras y disfrazes esperpénticos, hasta que se convirtió en un reclamo cómico, en vez de una muestra antiartística. Y eso es lo que les llevó al fracaso, aunque dejaron una semilla que se propagó por toda Europa.

HENRI ROUSSEAU...uno de mis favoritos

EL CAFÉ DE LOS ARTISTAS: EL CAFÉ DE FLORE. PARÍS

En el 172 del Boulevard Saint-Germain-des-Prés, en el VI arrondissement de París, se encuentra el café de Flore.
Fundado durante la Tercera República (1887), debe su nombre a la estatua de la diosa Flora, de la que se discute su emplazamiento, aunque se cree que estaba situada sobre la entrada principal.



Fue allí donde Meret Oppenheim conoció a Pablo Picasso y donde surgieron las raices de una de las obras más representativas de arte surrealista. Durante esa conversación se bromeaba sobre las texturas de los objetos y su aspecto exterior y que pasaría si fueran distintas a las que los caracterizaban. Meret terminó señalando que podría forrar de piel la taza y el plato, creando una discusión sobre el sentido del objeto en sí mismo, perdiendo su utilidad y elevándolo a un nivel superior.



Poco después en 1936, Meret participa en la exposición "Arte fantástico, Dadaísmo y surrealismo" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su obra"juego de desayuno de piel" fue adquirida y es uno de los referentes del movimiento surrealista

INFANTA DE FIELTRO

Menina, es en portugués, la traducción de damita de compañia de la o las infantas. En aquel 1656, Diego Da Silva Velázquez pintó Las Meninas o también, como se le tituló originalmente, La Familia de Felipe IV, en la que aparece la infanta de seis años, Margarita de Austria, acompañada de sus meninas Doña Isabel de Velasco, a la derecha, y Dña Maria Agustina Sarmiento de Sotomayor a la izquierda ofreciéndole un búcaro de cerámica roja, supuestamente para saciar la sed.
Os presento a la primera de los broches "Infanta", a los que tengo que poner nombre pero que os quería enseñar a ver qué os parece.

SONETO DE AMOR

Aquí estoy, intentando que los ojos no se me sequen del sueño, tan perezosa que hasta me cuesta ir a la cama.
Pero no podía dejar de compartir con vosotr@s, el soneto de amor más sublime que jamás había leído. En este caso de Miguel Hernández, del que se celebra el centenario de su nacimiento



Mis ojos, sin tus ojos, no son ojos,
que son dos hormigueros solitarios,
y son mis manos sin las tuyas varios
intratables espinos a manojos..

No me encuentro los labios sin tus rojos,
que me llenan de dulces campanarios,
sin ti mis pensamientos son calvarios
criando nardos y agostando hinojos.

No sé qué es de mi oreja sin tu acento,
ni hacia qué polo yerro sin tu estrella,
y mi voz sin tu trato se afemina.

Los olores persigo de tu viento
y la olvidada imagen de tu huella,
que en ti principia, amor, y en mí termina.


Miguel Hernández

"EL CANTO DE LAS SIRENAS IV" Si tu te vas, yo me muero contigo.

Cuanto mayor fue el deterioro del artista, mayor era el genio que desprendía en sus obras. El ritmo bohemio y degenerado del París de principios del siglo XX, acompañado de alcohol, mujeres, drogas y la tuberculosis que le acompañaba desde la adolescencia, hizo que Modigliani, fuera un artista devorado por la creación y el desorden personal.

Sólo una persona le acompañó hasta su muerte, cuando contaba con tan sólo 35 años, una pintora que le amó hasta el suicidio, por su pérdida o por el desengaño de no haber culminado una boda prometida con el artista.

La misma noche que el artista muere, Jeanne Hébuterne decide también acabar con su vida y con la del bebé que llevaba en su vientre. Desesperada, desengañada. Nadie habla en los grandes libros de historia de la sirena que acompañó al díscolo Modigliani, que con su canto intentó llevar su vida al orden sin llegar a conseguirlo. Quizás esto fue lo que permitió que su obra llegase a nosotros tal y como la conocemos, pero nunca llegaremos a saber el talento que ocultaba tras sus manos la joven Jeanne, que dejó de vivir cuando sólo contaba 21 años de edad e incluso su cadáver fue repudiado por sus padres. De sus obras, se conservan diversos dibujos y apuntes, y dos cuadros al óleo. Destilan estilo y fuerza. Flores de un día. Cantos de sirena.

FELICIDADES BARRIO SESAMO

FELICIDADES A BARRIO SESAMO, POR ENSEÑARNOS Y DIVERTIRNOS.

"EL CANTO DE LAS SIRENAS (III)". La eterna compañera

Algunos artistas del movimiento surrealista tuvieron como musa a Elena Ivanovna Diakonowa. Se había casado con Paul Eluard, al que conoció años antes en Suiza, cuando se encontraba internada en un sanatorio, tratándose la tuberculosis que sufría.

En 1929, el matrimonio se trasladó a Cadaqués a visitar a un joven pintor, Salvador Dalí. Allí Elena y Salvador se enamoraron, casándose primero en 1932 por lo civil, y poco después por la Iglesia.

Dice Gala, que así es como la llamaban, que salvó a Dalí de una muerte temprana, ya que el pintor era una persona insegura y desorganizada. Fue su agente artístico y buscó siempre el equilibrio entre el mundo real y el de los sueños del artísta. Con ello Gala creó enemistades, desconfianzas y críticas por parte de su entorno y de la prensa del momento, al tacharla de materialista y mercantilista. Pero para Dalí fue mucho más.

Su imagen aparece en numerosas obras y en ellas se aprecia el amor que le tenía. Fue tal la relación que tuvieron, que Dalí le compró el Castillo de Púbol, en Gerona, y preparó, durante las obras de restauración, dos criptas, una junto a la otra, para ser embalsamados y enterrados juntos.

Cuando a Gala le llegó la muerte en 1982, Dalí se trasladó al Castillo para estar junto a su musa hasta el momento de su muerte. Dalí no fue enterrado en la cripta, por lo que su último deseo no fue satisfecho.

"EL CANTO DE LAS SIRENAS II" "la Diva protectora"

Cuando Alphonse Mucha se mudó a París, saltó a la fama al realizarle a la actriz Sarah Bernhardt y su Thêatre de la Renaissance, un cartel litográfico, anunciando la obra "Gismonda". Fue tanta la espectación que causó, que la actriz lo contrató en exclusiva durante seis años. En ese periodo, aparte de los carteles publicitarios, diseñó la escenografía, el vestuario, el decorado y las joyas.

Sarah protegió y encumbró al artista haciendo de él un personaje reclamado por muchas empresas y comerciantes para que les diseñara carteles y anuncios de revistas.

El alcance que tuvo la obra de Mucha fue tal, que sus diseños y su estilo fue imitado por dibujantes de la época.

EL CANTO DE LAS SIRENAS ( I ). "la joven de la cola de caballo"

Dicen que detrás de cada hombre importante se encuentra una gran mujer. En el caso de muchos artistas, el canto de las sirenas es el que les inspira en sus creaciones. Muchas veces esas musas son olvidadas, obviadas o "resumidas" de las biografías de los grandes creadores. Pero no siempre fue así.

Hacia el año 1953, cuando Picasso, de 73 años, ya era un pintor reconocido mundialmente, conoció de forma casual a una joven de 19 años llamada sylvette David. Acompañaba a su novio al estudio de Vallauris, en el sur de Francia, para llevarle unas sillas que había adquirido. la belleza de la muchacha, de rasgos interesantes, impresionó tanto a Picasso que la pintó de memoria. Poco después el pintor le mostró el cuadro, y a partir de entonces, haría de ella unos 40 retratos, algunos hechos escultura.

Aquello fue una experiencia tan influeyente en la vida de Sylvette, que comenzó a interesarse por el arte, pero tuvieron que pasar dos décadas para que, a la edad de 45 años y con tres hijos iniciara su andadura como pintora, convirtiéndose hasta hoy en una artística prolífica.

KLIMT Y EL DECORATIVISMO PICTORICO

En 1898, Gustav Klimt se separó de la Tradicional Casa de los Artistas de Viena, junto a otros estudiantes, formando la "Sezession". Esto supone un conflicto generacional entre hijos y padres y sus tradición.

Teniendo como lema " a cada tiempo su arte, a cada arte su libertad", hay que entenderlo como un grupo de élite, ya que pensaban que la estetización de la realidad social, solo la podían entender nobles, puros y cultos. Además, se encuentran en un momento político favorable, con un gobierno burócrata que obvia los problemas sociales y confía en una cultura inmersa en un mundo paralelo.

Gustav Klimt fue el primer presidente de la Sezession y junto al grupo participó en las 23 exposiciones que organizaron, y aunque estilísticamente seguía los preceptos del grupo, poco a poco su obra evolucionó hasta llegar a una estética personal. En este proceso artístico, fue muy importante la visita que hizo en 1903 a los mosaicos bizantinos de Ravena, provocando el inicio de su fase dorada, que culmina con la obra "El Beso", en la que supuestamente se autorretrata con su inseparable Emilie Flöge.




Seis años después visita París, que supuso otro cambio de dirección en su obra, al conocer y admirar la obra de Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Gauguin, Matisse e iniciando la fase conocida como "caleidoscópica" donde permanece el decorativismo, un cierto horror vacui y una amplia paleta cromática.



La relación que tuvo con Emilie Flöge, hasta su muerte en 1918 va a suponer un soporte y un aliciente en su trabajo. Se convirtió primero en su cuñada y poco después en una "amiga inseparable" y en una compañera de proyectos.

Emilie, junto a sus hermanas, abrió una casa de costura, que llegó a ser la más importante de Viena. Klimt elaboró diversos diseños de estampados, e incluso una serie de 10 " Trajes Reforma", túnicas amplias con motivos geométricos que se convirtieron en prendas exclusivas que llevarían unos pocos ricos excéntricos, y que Klimt fotografiará para una revista, convirtiéndose en el primer fotógrafo de moda.



Al observar la obra de Klimt en detalle, podemos admirar el trabajo de un artista innovador, por un lado, dibujante sinuoso de líneas enérgicas y pintor exquisito; y por otro, diseñador gráfico y fotógrafo.











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